NEW ALBUM

“Walk Against Wind”

(Biophilia, 2017)

EUROPEAN TOUR 2017 – ITALY

w/Ben Wendel, tenor saxophone – Matthew Stevens, guitar – Justin Brown, drums

16/7 UMBRIA JAZZ – 17/7 VALDARNO JAZZ FESTIVAL – 18/7 PEPERONCINO JAZZ FESTIVAL – 20/7 SILE JAZZ – 22/7 CALA GONONE JAZZ FESTIVAL – 24-28/7 TUSCIA JAZZ 

Nata in Malesia e cresciuta a Perth, in Australia occidentale, Linda May Han Oh è una brillante bassista e compositrice ed è più che una promessa. Talento precoce,  ha studiato fin da piccola piano e fagotto per passare a 15 anni al basso elettrico, suonando jazz e rock nelle orchestre studentesche. La svolta è stata nel 2009 la menzione d’onore alla Thelonious Monk Bass Competition, seguita nel 2010 dal Bell Award come giovane artista australiana dell’anno e dal primo posto nel referendum dei critici di Downbeat come Acoustic Bass Rising Star. Si è trasferita a vivere a New York. Ha suonato al fianco di musicisti come Joe Lovano, Steve Wilson, Vijay Iyer, Dave Douglas, Kenny Barron, Geri Allen, Fabian Almazan e Terri Lyne Carrington.

Attualmente è nel quartetto di Pat Metheny, che per lei ha avuto parole entusiastiche:  “Ha tutto quello che cerco da sempre: senso del ritmo, scelta delle note e molta immaginazione. Ma la dote più rara, che voglio in un musicista e che lei possiede, è saper comunicare e interfacciarsi con estrema naturalezza con gli altri musicisti e con il pubblico”.

Ha scritto per grandi ensemble come anche musica per film. Il debutto a suo nome risale  al 2009, con un album in trio che si intitola semplicemente “Entry”. A questo fanno seguito “Initial Here” e “Sun Pictures” nel 2012 e 2013 per la prestigiosa Greenleaf Records. “Walk Against Wind” è il suo 4° album, ed è uscito il 14 aprile 2017.

Website: http://lindamayhanoh.com

 “WALK AGAINST WIND”
ASCOLTA / ACQUISTA
https://lindamayhanoh.bandcamp.com/releases
L’arte del mimo, con l’abbraccio del silenzio e della pura espressione fisica, può sembrare un’improbabile fonte d’ispirazione per un musicista jazz. Ma in “Camminando contro vento”, una delle pièce più amate dal grande Marcel Marceau, la bassista e compositrice Linda Oh crea una splendida metafora per raccontare la vita di un artista. Nel movimento grazioso ma frustrato di Marceau, che ha anche ispirato l’iconica passeggiata lunare di Michael Jackson, ammiriamo il leggendario mimo insinuarsi e combattere contro forze invisibili, ma al tempo stesso comprendiamo anche la bellezza e il piacere che si provano nel prendere strade e percorsi di vita che presentano sfide più grandi – ma anche premi più ricchi.

Linda May Han Oh esplora ciò che riguarda le grandi sfide e i ricchi premi del percorso di un artista. “Walk against wind/Camminare contro il vento” è un lavoro sui percorsi che scegliamo,” spiega Oh. “Talvolta finiscono per essere i sentieri più difficili, ma a lungo andare si dimostrano i più fecondi”.

L’album è il seguito spirituale del precedente “Sun Pictures”, del 2013, album che fu molto apprezzato.

credits

released April 14, 2017

Linda Oh – acoustic bass

Ben Wendel – tenor saxophone

Matthew Stevens – guitar

Justin Brown – drums

Fabian Almazan – piano (tracks 2, 6, 10)

Minji Park – janggu & kkwaenggwari (track

Recorded at Brooklyn Recording on March 1 & 2, 2016

Engineered by Tyler MacDiarmid & Andy Taub

Mixed and Mastered by David Darlington at Bass Hit Studios

International press quotes:

• “Oh makes music that is resolutely of the moment…Her innovative range and stellar improvisations have made [her] one of the most dynamic rising stars in jazz today.” - The Wall Street Journal

• “She’s on pace to become something rare in jazz: a bassist known primarily for her work as a bandleader.” - The New York Times

• “A major bass voice arrives” – JazzTimes

• “On Walk Against Wind…[Oh] takes a long stride forward as a bandleader and composer. The writing is intricate but flowing, tailored to the articulate grace of her band.” - WBGO Take Five

• “[a] consistently engaging, original album.” - Hot House

• “Linda May Han Oh is a planetary force and these compositions, so brilliantly crafted, are her gravitational waves.” - Nextbop

• “One of the most fluid and instinctive bass players in New York City.” - SomethingElse Reviews

• “with bass in the forefront, not just as a solo voice but as an intriguing structural component in the writing… Oh shows remarkable growth and clarity of vision” – New York City Jazz Record

Le piacerebbe lavorare con Kendrick Lamar e Anderson .Paak, e in primavera sarà in Italia per tre imperdibili concerti: 
20 aprile BOLOGNA – Bravo Caffé
21 aprile ROMA –  Auditorium Parco della Musica, Teatro Studio
22 aprile MILANO – Biko Club

Mambo Na’ Mà è il primo singolo estratto

Con Cuba che si appresta a connettersi sempre più col resto del mondo, l’orgoglio del popolo cubano per un patrimonio musicale unico non è mai stato così vitale. Daymé Arocena non fa eccezione, non si distacca da queste basi, e torna con un secondo album molto ambizioso: ”Cubafonía”; in cui sviluppa le sue composizioni partendo dai ritmi classici della musica cubana, abbraccia la ricchezza dei diversi piani musicali del suo paese, e al tempo stesso riesce a guardare al di fuori di quei confini, capitalizzando le esperienze dei tanti viaggi fatti nel corso degli ultimi due anni. Si tratta del progetto più lucido e completo che abbia mai realizzato da quando, nel 2012, ha incontro quello che diventerà poi il suo mentore (e direttore artistico dell’etichetta) Gilles Peterson. Daymé ha potuto contare sulla grande esperienza e sulla visione molto ampia che Peterson ha come DJ, radiofonico e promoter, e sul sostegno del progetto Havana Cultura* – una piattaforma che sviluppa e incoraggia la creatività contemporanea a Cuba, creata dai produttori del rum Havana Club.

Ha condiviso il palco con Roy Ayers e la superstar brasiliana Ed Motta (che ha sorpreso in lacrime di gioia con una dichiarazione d’amore mentre erano sul palco del Worldwide Festival), con Miguel Atwood-Ferguson in occasione della sua trionfante Suite for Ma Dukes al Barbican, arrembando letteralmente il palco. Ha tenuto concerti da Los Angeles a Tokyo, ipnotizzando ogni volta il pubblico con la sua sbalorditiva estensione vocale e un grande senso dell’umorismo e dell’ironia. Le piacerebbe lavorare con Kendrick Lamar e Anderson Paak.  Ambiziosa, laboriosa, e affamata di scambio culturale, che non compromette il sapore unico del suo paese d’origine di cui è così fiera, lascia trasparire che il 2017 potrebbe essere un anno monumentale per lei che ha ben chiaro il senso delle influenze e commistioni nella sua musica: “Non abbiamo una cultura nativa,” spiega. “Non abbiamo popolazioni indigeni, come i Maya o i Quechua. Hanno fatto un paese con persone provenienti da tutto il mondo – che è ciò che rende la cultura cubana così diversa .”

DAYMÉ AROCENA CUBAFONÍA: RootsIsland Wide Promotion –  Riccardo Rozzera - roots@rootsisland.com393.9818120

* Lanciata nel 2007, HAVANA CULTURA è la piattaforma per la promozione della creatività cubana contemporanea creata dal produttore di rum cubano Havana Club. Il suo obiettivo principale è quello di mettere in mostra e valorizzare il lavoro di artisti in varie discipline, tra cui musica, arti visive e dello spettacolo, del cinema e della letteratura, sia attraverso un sito web ricco di informazioni e finestre multimediali, sia attraverso lo sviluppo di progetti culturali. Havana Cultura sul web: havana-cultura.com

MARCO BARDOSCIA

sabato 7 maggio in concerto

al Festival Jazz di Seoul insieme al collettivo

PUGLIA JAZZ FACTORY

(Fabio Accardi, Marco Bardoscia, Gaetano Partipilo, Raffaele Casarano, Mirko Signorile)

Un maggio ricco di belle novità per Marco Bardoscia:

“Soundtrack for a Christmas Tree” è il lungo brano che gli Interiors, duo composto da Valerio Corzani ed Erica Scherl, ci regalano in occasione del Natale 2014. Un vero e proprio mantra per aiutare il nostro organismo a disintossicarsi dalla massiccia sovraesposizione alle moleste melodie che impazzano nel periodo natalizio come i vari “Jingle Bells”, “We Whish You a Merry Christmas”, “Oh Happy Day” e altre bruttezzze abusate a non finire in questo particolare periodo dell’anno.

Ne è venuto fuori un trip sonoro di quasi venti minuti con qualche sfrigolio da carillon e molta della psichedelia elettroacustica che al duo piace attraversare da sempre, come già in “Liquid”, l’album di debutto pubblicato dalla Minus Habens Records la scorsa primavera.

“L’idea da cui si è partiti – racconta Valerio Corzani – era quella di spazzare via la bruttezza di brani come “Jingle Bells”. Convincere più gente possibile a cambiare la musichetta che si mette sotto l’albero di Natale e convincere altra gente, quella che non usa fare l’albero di Natale, a inaugurare l’avventura per la prima volta. Lo sappiamo è un’idea folle. Ma se non altro volevamo provare a incrinare il dominio di tante melodie moleste, logorate dall’esposizione efferata e ciclica all’ascolto generalizzato, dando un’alternativa. Così ci siamo decisi a preparare un pezzo che da una parte fosse funzionale allo scopo prefissato (risuonare nelle case come un mantra) e dall’altra mantenesse il DNA della nostra musica, la musica degli Interiors, affrancandosi dalle “gioiose” tiritere che ci ammorbano nel periodo invernale”.

In questo lunga sonorizzazione ci sono violini elettrici pizzicati, effettati, sfregiati e messi in loop, ci sono bassi profondi e bassi noise, ci sono bicchieri suonati con l’iPhone e voci paradisiache (o se preferite purgatoriali), ci sono “palmas” flamenche trasformate in carri cigolanti e ci sono carri cigolanti trasformati in beat strascicati….c’è molto insomma e c’è anche qualche colpo di scena nel finale quando il pezzo vira verso grooves appena più

pronunciati, prima di scartare di nuovo verso un finale docile che è solo temporaneo, provvisorio, un “non finire” perché l’idea era infatti anche quella di non dare un finale a questo brano, composto per essere “suonato” vicino (sotto? dentro?) all’albero di Natale e quindi chiunque decida di adottarne il mood sonoro dovrebbe anche decidere di impostare il lettore sul tasto “repeat”, in modo che l’ambiente venga monopolizzato, dolcemente, da queste melodie.

“Sulla qualità dei supporti non abbiamo preferenze: ci piacerebbe sentire “Soundtrack for a Christmas Tree” in Dolby surround, ma ci piacerebbe altrettanto sentirlo dalla cassettina spompata di un transistor o dal wooferino di un qualsiasi telefono portatile. Insomma fate voi. Qualunque modo sarà un bel modo”.

Gli Interiors hanno poi chiesto al videomaker Fabio Fiandrini di costruirci attorno un clip che ve lo mostrasse almeno la prima volta in una mise ancor più seducente…Ne è venuto fuori un mediometraggio psichedelico, pieno di strani fiocchi di neve a base di palline fluorescenti e di danze robotiche con i ballerini vestiti da marionette Futuriste…

La traccia audio di “Soundtrack for a Christmas Tree” è disponibile in mp3 in download gratuito da soundcloud, bandcamp e tutti i social frequentati dagli Interiors, dai quali la band esorta ad interagire realizzando e condividendo in rete piccoli clip che testimonino l’esperimento e la nuova sonorizzazione. Questo è quanto. Adesso tocca a voi adottare “Soundtrack for a Christmas Tree”, facendo la mossa più eversiva di tutte: voltare le spalle a “Jingle bells” e cambiare il sound del vostro Natale!

Interiors:

Valerio Corzani: Electric Bass, Programming, Looping cut-up, Smartphone GlassMusic App

Erica Scherl: Electric Violin, Looping, Effects, Choir, Clapping Hands

Registrato a Bologna allo Spectrum Studio da Roberto Passuti

soundcloud:

https://soundcloud.com/interiors2″soundcloud.com/interiors2

bandcamp: https://interiors1.bandcamp.com/”interiors1.bandcamp.com

youtube: https://www.youtube.com/channel/UC8ZL31F8ORLMZr0uFHW60Bg”www.youtube.com/channel/UC8ZL31F8ORLMZr0uFHW60Bg

facebook:

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Booking: Re::Life – Marco Saurini

info@relife.it” info@relife.it +39 335.398165

Ufficio Stampa: Roots Island

Riccardo Rozzera  roots@rootsisland.com

Gli organizzatori di concerti a Roma (ed il pubblico che agli stessi prende parte) mi appaiono come un battaglione di ratti, che infesta cantine, garage, occupa spazi abbandonati e per una sera riporta in essi rumore, movimento, eccitazione. Vita. Sembra assurdo ma a Roma non abbiamo spazi sufficienti per la musica. Al di fuori di quelli istituzionali, Auditorium Parco della Musica in primis. Ed è sicuramente l’assenza di questi spazi (siano essi luoghi fisici, ma anche canali di comunicazione) a far si che la Musica – l’Arte in genere e tutta la Cultura – vivano un momento di terribile sofferenza. Non mi spiego altrimenti come un’artista autentica ed ecclettica – Tune Yards, al secolo Merrill Garbus – porti in città uno spettacolo eccezionale e questo passi in sordina. La location è di quelle “temporary”: il Teatro Quirinetta, prestato per l’occasione non so a chi abbia avuto la lungimiranza – ed il coraggio – di portare Tune Yards in città.

Del live della bionda poli-strumentista del Connecticut, ho saputo per caso: un post condiviso su Fb da una testata musicale che seguo. E’ in questa possibilità di essere aggiornato sugli eventi che resto legato alla piattaforma social, le cui altre funzionalità mi hanno stancato da un pezzo. Del concerto, in giro, nessun manifesto, locandina, nessun flyer: niente di niente. A dire il vero, viste notizie ambigue circa l’orario di inizio del concerto, ho chiamato al telefono il Quirinetta. Fino ad un’ora prima del concerto, nessuna risposta. Segreteria telefonica. Scopro poi, una volta sul posto, che i ragazzi che hanno organizzato il tutto non c’entrano nulla con il Quirinetta e, addirittura, non c’è nessuno del Teatro. Insomma, il Teatro Quirinetta è una scatola, vuota. Noleggiato, occasionalmente, per lo show. Peccato, perchè è davvero un bel Teatro. Ci si potrebbero organizzare chissà quanti e quali rassegne. Piccolo, ma funzionale. Ricorda un pò, nei decori dell’ingresso e delle scale che conducono alla piccola Sala, l’Overlook Hotel: quello di Rubrick, di Nicholson e delle gemelline più inquietanti della storia del cinema.

Roditori e rodimenti a parte -vista tutta l’oscurità culturale che incombe sulla Capitale - Tune Yards ci ha fatto dono di uno show entusiasmante, esplosivo, unico con il quale ha presentato, al contenuto ma caloroso pubblico, il suo nuovo lavoro, Nikki Nak, pubblicato con 4AD. Ritmo e colori, arrangiamenti sofisticati e ricercati, combinazioni di voci che si intrecciano a loop elettronici e composizioni originalissime. La matrice africana è quanto mai evidente: ciò nonostante Merill  è in grado di rielaborare ritmiche, sonorità e armonie del continente nero e rivestirle di un “pop” genuino, che è “popolare” in quanto vero. Tutt’altro che facile e scontato. La band che la accompagna è meravigliosa, come lo sono i costumi di scena che indossano, dai colori sgargianti e dal design che fa molto anni ’80. E lo è nel combo, decisamente originale: basso elettrico ed elettronica, due voci femminili, percussionista e lei, Merril, che suona le percussioni, l’ukulele, crea loop e canta con una voce che ti porta via.

Lontano dall’umida platea del Quirinetta, spogliata delle sue comode poltrone.

Lontano dall’afosa Roma, spogliata della sua capacità di accogliere e far accomodare l’Arte.

(Michele Mancaniello per RootsIsland)

Questo è quanto si legge sul loro sito. A questo punto potrei non aggiungere altro e invitarvi ad ascoltare (e a comprare) il disco. Ma provo a raccontarvelo un pò. Il titolo che ho scelto per il post “Quando la musica Popolare è davvero tale” racchiude il senso di quanto fin dal primo ascolto mi ha colpito in Dannataparte; ossia il fatto che, seppur le sonorità, gli stili siano alquanto eterogenei, il lavoro del collettivo Chicken Production risulta compatto, diretto e suona come un disco di musica popolare. Attuale, e in quanto tale “davvero popolare”. Molto più di tante produzioni “amarcord” (di pizzica, tammurriata, etc…) che cantano e suonano di storie e luoghi andati, che poco o nulla hanno a che fare con la cultura  popolare di oggi. La musica di Chicken Production racconta ed esprime in questo senso, senza filtri e definizioni, il “momento presente” ed è capace di integrare in se tante “voci” e suonare con tante anime: quella reggae, meravigliosamente morbida, poggiata su una dolce ritmica e su una linea di basso muscolosa e piena di cuore come in “Pische Muntane” o quella più intima, poetica, come in un’antica villanella, di “Ne N’è colpa mia“. Con “La Buriana” c’è il ritmo che esplode, bassi e percussioni che comandano e le voci che, sopra, ci intrecciano rime che sanno di fatica e sudore. Non mancano le ballate melodiche come “So vint” e “Pienzeme Mo” o tracce tutte da ballare: “Ju Mostre” e “Na Voce” (potentissimo dub caratterizzato da un ritornello – con la calda voce di Flavia –  intriso di mediterraneità). In “Le ville“, ultimo brano del disco, la musica popolare in quella che è la sua espressione più recente e, nello stesso tempo, più antica: il rap.

Dannataparte canta le mille storie di una terra e lo fa in dialetto, raccontando Terracina e la sua gente, i loro sogni e i loro drammi. Lo fa con la sabbia tra le dita, mentre guarda all’orizzonte, che è vita vera e speranza sempre, ai fiori e alle palme, respirando gli odori che il mare porta a riva e quelli che si porta via.

Un buon disco. Scritto, suonato, arrangiato e registrato bene. Dovremmo dare molto più spazio alla musica italiana. Se lo merita. Comprare Dannataparte è un buon modo per contribuire.

(Michele Mancaniello per RootsIsland)

Il testo originale, del lontano 1969, in verità termina con una frase che gli Avion Travel nella loro versione omettono di cantare, modificando il senso di quel brano che, da disperato racconto di un abbandono, diventa romantica e poetica narrazione di una assenza. Quell’assenza che trasuda di desiderio e che diventa alimento per due amanti lontani. Gli Avion Travel sono dei passionali e come tali incapaci di immaginare una qualsiasi fine. Forse per questo, nella loro versione del brano di Nada, non hanno mai cantato quell’ultima significativa frase “non m’ami più” e per lo stesso motivo, seppur allontanatisi l’uno dall’altro per dieci lunghi anni, nei quali tanti progetti solisti si sono avvicendati, hanno, da circa un anno, deciso di tornare a suonare insieme, donandosi e donandoci, nuovamente, il loro eccezionale talento.

Sul palco della Cavea, i sei talentuosi artisti, salgono uno alla volta, “in ordine di arrangiamento”. Servillo conserva tutta la grazia e l’eleganza che lo ha contraddistinto da sempre, nella voce, sussurata e forte – ma sempre misurata – cosi come nelle movenze. “Prima di tutto la buona crianza“, afferma salutando il caloroso e affezionato pubblico della Cavea. La scaletta racconta oltre 20 anni di musica insieme e, a differenza di altri loro live cui ho assistito, in questo spettacolo i sei musici danno maggior spazio alle produzioni più datate. “La cena difficile”, L’atleta ritrovato”, “L’amante improvviso” e ancora “Tigri”, “Cuore Grammatico”, “Aria di Te”, bellissimi brani, eseguiti in maniera impeccabile, che risalgono ai primi lavori; da “Bellosguardo” del ’90, “Opplà” del ’93, “Finalmente Fiori” del ’95 e “Vivo di canzoni” di due anni dopo. Non mancano, naturalmente, i brani più noti, tra i quali, sicuramente “Sentimento” eseguita nel primo dei due bis, la bellissima “Dormi e sogna”, “Vivere Forte” del più recente “Poco mossi gli altri bacini” del 2003 e una cover di Adriano Celentano, suonata come ultimo bis, “Storia d’amore”.

Lo spettacolo ci coinvolge, ci emoziona al punto tale che la standing-ovation finale non può esser certo evitata: nonostante il lungo silenzio, tutti - Servillo, Tronco, D’argenzio, Ciaramella, Mesolella, Spinetti - si dimostrano generosi di tecnica e sentimento. Gli arrangiamenti, abbastanza fedeli alle versioni originali, ma “contaminati” con suoni, fraseggi e sonorità contemporanei.  In “Canzone appassionata”, canzone napoletana prima di cantar la quale Servillo afferma “ora mi devo abbottonar la giacca” – segno evidente dell’enorme rispetto e riconoscimento per la scuola e la tradizione musicale partenopea – D’Argenzio da il meglio di se al sax (suona magicamente sia il soprano che il baritono).  Eccezionale, poi, la versione di “Abbassando” (che Servillo dedica a Lilli Greco), meravigliosa poesia estratta da “Bellosguardo”, album del ’90, arrangiata per noi in perfetto stile rebetiko.

Bravi. Tra i migliori musicisti che abbiamo in Italia e, senza dubbio, uno dei più grandi gruppi che avevamo. Della band parlo al passato in quanto, nonostante il grandissimo show che li ha visti protagonisti, a dire il vero a me son sembrati poco coesi. Magari un pò stanchi. Di stare insieme. Un pò troppo soli e solisti. “Perciò me lo hai promesso, se tutto sta finendo non lo nasconderai” canta Servillo su “Vivere Forte”. Speriamo siano sinceri e non ci nascondano nulla. O forse, semplicemente, è arrivato – anche per loro – il momento di cantare quell’ultima frase di Nada, in “Ma che freddo fa”?…non m’ami più…

(Michele Mancaniello per RootsIsland)

Con questa premessa, son certo, molti di voi saranno in disaccordo ma preferisco scrivere in maniera schietta e sincera piuttosto che “di maniera” col solo scopo di ottenere consensi ed approvazione.

Il concerto inizia puntuale ma parte già “strano”. L’inizio è lento, lentissimo con sonorità folk e acustiche con, in sequenza, “Wasp nest”, “All dolled-up in straps”, tratte dall’ep Cherry Tree del 2004 e “90 mile water wall”, dal secondo album della band, Sad song for dirty lovers. A suonare, una nutrita formazione che comprende, basso, chitarra, piano e seconda chitarra, batteria quindi tromba e trombone, che si alternano alle tastiere/campionatori. Non si sente bene. Gli strumenti non emergono nelle loro individualità, il suono arriva “chiuso” su se stesso, confuso e saturo di frequenza basse, complice la scelta di Bryan Devendorf , il batterista, di utilizzare, per quasi tutto il concerto, il charleston quasi unicamente col pedale e mai con le bacchette, scelta che penalizza il groove e priva il sound di quelle frequenze alte necessarie a  far “squillare” e “brillare” maggiormente il suono nel suo insieme.

Arriva “Fireproof”, dall’ultimo lavoro, il bellissimo disco che è Trouble Will find me (2013), quindi “Hard to find”, ballata dolce e lenta, come è stato lo show fin qui. Finalmente con “Swallow the cap” i sette musici sembrano ridestarsi e l’atmosfera comincia a scaldarsi: ciò nonostate e, fatta salva la bellezza del brano, i suoni restano ovattati, confusi e i due fiati sembrano messi li a far “scena”, colpa sia di una evidente problematica acustica  sia di una scelta artistica che limita e mortifica due strumenti cosi ricchi di timbrica e attitudine “solista” qui ridotti a meri tappeti.  ”I should live in salt”, con il suo accompagnamento di chitarra acustica sbilenco, quindi “Mistaken for strangers”, da Boxer, considerato uno dei migliori album della band. “Bloodbuzz Ohio” del 2010, con una batteria serrata ed il cantanto melodico e profondo di Berninger che guida tutta la band. Lo show prosegue alternando brani del piu’ recente disco, da “Sea of Love”, “I need my girl”, “Graceless”, cantata, appunto, senza grazia da un Berninger oramai completamente ubriaco, a brani del loro passato quali “Squalor Victoria”, “All the wine”, tratto da Alligator, terzo album risalente al 2005, “England“, “Slow show” e “Fake Empire”; un passato, nel quale, i The National potevano effettivamente essere ascritti alla florida, talentuosa e genuina scena indie americana.

Una breve pausa quindi, al rientro dal backstage, i sette idoli di una platea composta per lo più da ragazzi con camice a quadri e da ragazze con pantaloni a fiori a vita altissima, ci omaggiano con “Ada”, una versione davvero punk di “Mr. November”, cantata? da Berninger completamente lesso e senza voce, quindi “Terrible love” ed un finale “senza corrente” con “Vanderlyle Crybaby Geeks”, suonato con le sole chitarre acustiche, i fiati non microfonati e la voce, stonatissima, di Berninger sostenuta, per fortuna, dal corale pubblico.

Il mio “editore” (ciao Rootz!), mi vuol bene. Perchè sa che scrivo in maniera oggettiva, imparziale ma sempre vera, sincera. Son certo non me ne vorrà per questa “stroncatura” decisa ad un show, di cui son certo, oggi ne parleranno e ne scriveranno con tutti altri toni rispetto ai miei.

Diceva M.L.King: “Le nostre vite cominciano a finire il giorno in cui stiamo zitti di fronte alle cose che contano.” E, certamente, non sono i The National le cose che contano. Ma la verità delle emozioni. E quella non può esser travisata. Ne tantomeno taciuta.

(Michele Mancaniello per RootsIsland)

“An end has a start”. Questo il titolo di uno dei tanti tiratissimi brani degli Editors, tratto dall’omonimo album, pubblicato nel 2007. Ogni fine è un inizio, ci canta la band di Birmingham, a volerci sottolineare e ricordare quello che sembra essere il tratto che contraddistingue la loro produzione e muove la loro vena artistica: quel “continuum”, che li lega indissolubilmente, senza soluzione di continuità, al decennio in cui in Europa irruppe  la “new wave”. Gli anni ’80, da alcuni abiurati da altri idolatrati, hanno di fatto assistito alla nascita, nel Regno Unito – Irlanda compresa –  di un suono e di uno stile inconfondibile, che conteneva in se rock’nroll, post-punk, dark ma anche elettronica, pop e, nonostante sia cresciuto a pane e new-wave l’ho notato solo ieri sera durante il live degli Editors, elementi tipici della disco music. La new wave, mi rendo conto solo oggi, è la risposta, tutta british, a quella che fu la “febbre del sabato sera” afro-americana. La new-wave si ascoltava e, soprattutto, si ballava. Non è un caso che il charleston della batteria anni ’80 suoni uguale a quello di un qualsiasi brano di Donna Summer o degli Chic, in levare, e che il rullante e la cassa vadano giù dritti, senza inciampi, sul quattro quarti. Quel ritmo è impossibile non ti faccia muovere, danzare. Ritmo che ha contagiato me e altre migliaia di persone presenti ieri sera all’Ippodromo delle Capannelle di Roma per il concerto dei cinque di Birmingham. E strano è che siano inglesi, visto e considerato che il ritorno della new-wave sia dovuto, prevalentemente, a band statunitensi (Interpol, The Killers, The National etc.).

Il concerto si apre subito potente con “Sugar”, tratta dall’album The weight of your Love, del 2013, brano nel quale il basso di Russel Leetch, carico di flanger e chorus, conduce e la fa da padrone. Tom Smith, dimostra da subito di avere ottime doti canore e grande “appeal”, nonostante la grandiosa gaffe che fa salutando il pubblico con un “grazie Milano”. Il ritmo resta sostenuto con “Munich”, secondo brano in scaletta, del 2005, con il riff “edgiano” di Justin Lockey e la batteria potente di Edward Lay, del quale intravediamo il ciuffo di capelli sventolare al ritmo dei colpi sul rullante e sui tom. Sembra di ascoltare gli U2 di Boy o di October, ma forse me ne accorgo solo io e qualche coetaneo che, trent’anni fa, quei vinili li ha consumati: ciò detto, me ne frego del “già sentito” e ballo, perché gli Editors suonano bene e ti fanno saltare. “An end has a start”, e la carica è davvero tanta anzi cresce brano dopo brano.

“All sparks” sembra uscita da un album dei Church quindi” Formaldehyde”, dal lavoro più recente, tirata e melodica e con un ritornello davvero ruffiano. La successiva “Bullets”, elettro-pop priva di melodia, suona un po’ meno incisiva e lascia intravedere, a mio personalissimo parere, qualche pecca nella produzione della band. “The racing rats” ed il ritmo torna sostenuto, ottimo riff di chitarra che fa da tema, sezione ritmica decisamente anni ’80 e la voce di Smith profonda e calda: come non saltare? “A life is a ghost”, suona più rock delle altre e con una struttura più complessa, lasciando intendere che la band oltre a far suo un suono già sentito tenta, seppur raramente, di cimentarsi con produzioni originali ed il più possibile scevre da qualsiasi contaminazione. “Eat Raw Meat = Blood Drool”, nella quale suonano echi elettronici e sugli schermi alle spalle dei musicisti si alternano animazioni e giochi di luci.”In this light and on this evening”, brano dell’album omonimo del 2009, forse il lavoro più elettronico e difficile del gruppo: bellissimo il finale, con gli intrecci di chitarre e tastiere quasi prog mentre il basso e la batteria spingono e tirano su un muro di suono, compatto e indiscutibile. “Bricks and mortar”, rimanda alla prima new-wave, ai Joy Division che, indubbiamente, sono uno delle band di riferimento degli Editors. Tom Smith, come tutti gli altri, non si risparmia. Canta, suona la chitarra, il piano, e ci salta sopra, corre da una parte all’altra dello stage dando vita ad uno show coinvolgente. “A ton of love”, del 2013, e tornano nuovamente alla mente gli U2. “Bones”, “Honesty” e “Smokers outside the hospital doors” chiudono un set tiratissimo e privo di sbavature.

La band lascia il palco e dopo pochissimi minuti, Smith da solo ci suona una bellissima versione acustica di “The Weight”. Torna quindi la band al completo per regalarci altre tre hits, “Two hearted spider”, “Nothing” e “Papillon”, con la quale ci lasciano con una coda lunghissima (forse troppo). Gli Editors dimostrano di avere un live trascinante, nel quale la padronanza tecnica si fonde perfettamente con sonorità affabili e melodie da “canzone”. Fanno ballare e questo, oggi, mi basta. Poca originalità stilistica, ma c’è ancora da stupirsene?

Siamo tutti hipster, figli o genitori della generazione “Spotify”, individui “…così fragilmente alla ricerca della propria autenticità e così in dubbio sulla propria autenticità…espressione culturale della generazione degli anni zero, perché questa generazione cresce in un’insicurezza mai provata prima dalle generazioni precedenti. Precaria nel lavoro, digitalizzata nelle relazioni sociali, questa generazione ha bisogno, anche solo simbolicamente, di ritrovare l’autenticità delle cose..” in un tempo che fu, gli anni ’80…”ora è molto più difficile essere anticonformisti in una società complessa dove i brand trasformano ogni forma di ribellione in bene di consumo (T.Bonini). ”

(Michele Mancaniello per RootsIsland)